Volando alto pero cayendo bajo: algunas memorias dedicadas a Mr. Chi Pig.

Por Jim Algie

 Kenny Chinn no fue el mejor ni el más valiente patinador en Edmonton a fines de la década de 1970, esos honores fueron para su hermano menor Danny, pero fue uno de los más elegantes. Ya sea que estuviera dando vueltas en 360 con los brazos cruzados sobre el pecho, tallando a través de las paredes de piscinas vacías en cuclillas, o haciendo girar los ejes que los patinadores llaman "trucks" en los bordes de tazones y rampas, con un brazo sobre su cabeza como un jinete de rodeo sobre un caballo salvaje, Ken adoptó un enfoque más artístico que atlético del deporte.

Todas esas maniobras sirvieron como punto de partida para sus travesuras en el escenario como el cantante principal de SNFU, que significaba “Society's No Fucking Use” o, como afirmó el bajista Jimmy Schmitz, "Silly Name For Us". El grupo de Edmonton (y más tarde de Vancouver) desarrolló un seguimiento internacional a lo largo del curso zigzagueante de una carrera de casi 40 años, dejando de lado las rupturas y las pausas. Bajo el seudónimo de Mr. Chi Pig, el movimiento escénico más repetido de Ken fue saltar desde la parte superior del bombo como un patinador sin tabla atrapando aire en la parte superior de una rampa.

Nos conocimos por primera vez en un half-pipe¹ local frente a una tienda de deportes cuando teníamos 16 años, y entablamos una amistad basada en andar en patineta e ir a la escuela secundaria Victoria Composite, donde parecíamos dos de los bichos raros más flacuchos. Él tenía aspecto chino y rasgos faciales redondos. Yo tenía gafas y aparatos ortopédicos. Ambos sobresalíamos como los brazos enyesados ​​que ninguno de los otros estudiantes quería firmar.

Los chicos más populares no necesitaban el punk rock. Tenían amigos, partidos de fútbol, ​​clubes de ajedrez, equipos de porristas y proyectos de ciencia de los que preocuparse. Tenían buenas calificaciones y reputaciones que mantener. No compartimos ninguno de sus intereses o preocupaciones.

Fue el skateboarding lo que inspiró nuestro interés por el punk y el new wave, porque los héroes que seguíamos todos los meses en la revista "Skateboarder", como Tony Alva, Steve Olson y Duane Peters, se habían cortado el pelo en spike y hablaban de lo mucho que les gustaban los Ramones, Devo y los Sex Pistols. En un nivel visceral, la velocidad y la agresividad de la música provocaron las mismas descargas de adrenalina y endorfinas que indujo el deporte. Era música que sonaba como si estuviera fuera de control y a punto de chocar.

Éramos tan fanáticos del skate que cuando Devo tocó en su primer show de Edmonton en el Sub Theatre de la Universidad de Alberta en 1979, Ken, mi hermano Richard y yo fuimos al show en nuestras tablas, vestidos con remeras negras que habíamos pintado a mano con el nombre de la banda en la parte delantera y usamos nuestros cascos mientras hacíamos pogo durante todo el concierto. (Sí, éramos totalmente así de desagradables. Ninguno de nosotros podía siquiera soportar el sabor de la cerveza, así que bebimos sidra de manzana).

Después de la escuela, y durante las vacaciones de verano, los tres trabajamos codo con codo como lavaplatos en la cocina infernal de un restaurante de cinco estrellas llamado Blackbeards, donde nos ganamos, y alentamos, la enemistad de la mayoría de los miembros del personal con melodías punk a todo volumen (DOA, The Clash, Pointed Sticks, Dead Kennedys) en un ghetto-blaster² en la cocina.

En nuestro último año de secundaria en Vic Comp, Ken y yo presentábamos el único programa de radio semanal de canciones punk y new wave en la estación de radio Redman de la escuela. La reacción violenta contra el programa fue tan severa que tuvimos que atrincherarnos dentro de la sala de radio y mantener la música lo suficientemente alta para ahogar a los deportistas que nos abucheaban a través de la puerta cerrada. "El punk apesta, maricones".

Nos sentábamos allí, nos mirábamos, reíamos y tratábamos de tocar otra canción que los molestara aún más. Si no podíamos obtener una respuesta positiva de los otros estudiantes, entonces la retroalimentación negativa era igual de estimulante, y si no podíamos ser famosos como atletas, "cerebritos", chicos guapos o el mejor estudiante, era mucho mejor ser infame que ser ignorado.

No sé cuánto aprendimos en la escuela secundaria, Ken solo disfrutaba de las clases de arte en las que sobresalía, pero aprendimos mucho sobre música haciendo ese programa de radio: cómo las canciones pueden exorcizar todo tipo de demonios y frustraciones reprimidas. Sirvió como "repelente de idiotas" para antagonizar a los chicos que odiábamos y cumplió una función triple como gritos de guerra para atraer a otros marginados de ideas afines que sentían lo mismo que nosotros.

Después de la incorporación de la música y la moda punk en la década de 1990, cuando el cabello teñido, los jeans rasgados y los piercings en todo se convirtieron en lo habitual en lugar de en un espectáculo anormal, sería difícil para los millennials imaginar cuán amenazante era el punk rock y ver a un chico con el pelo verde o una chica con un aro en la nariz a finales de los 70 y principios de los 80. Casi todos los días en la escuela, nos amenazaron, empujaron a los casilleros, arengaron y ridiculizaron, al igual que muchos otros punks en esta ciudad petrolera sureña. Alguien metió una cerilla encendida en el respiradero de mi casillero y quemó todos mis libros y notas. Un deportista, con cuerpo de máquina excavadora, amenazó con patearnos la cabeza si nos atrevíamos a asistir al baile de graduación, que fue el evento social más importante de esos tres años. Incluso si hubiéramos querido ir, no habríamos podido encontrar citas de todos modos; solo había una chica punk en toda la escuela, y otras cinco personas que estaban interesadas en un alumnado de mil. Sé el número exacto porque todavía soy amigo de todos ellos en Facebook.

En retrospectiva, el abuso tuvo muchos efectos secundarios positivos. Nos engrosó la piel, nos dio mucho material sobre el que escribir y nos proporcionó algunas ideas sobre cómo es aferrarse a los márgenes de la sociedad, que Ken utilizó en muchas de sus futuras letras sobre todo, desde niños maltratados hasta ancianas con la enfermedad de Alzheimer. Al igual que los músculos, las personas necesitan resistencia para crecer. La escuela secundaria fue nuestro entrenamiento de resistencia.

En nuestro último año allí, formamos nuestra primera banda y comenzamos a ensayar en el sótano de mi madre. Se suponía que Ken era el cantante, yo tocaba la guitarra y Richard casi podía tocar la batería. Nuestro conjunto sin nombre nunca tocó en ningún show, pero grabamos algunos originales en una cinta de cassette, como "Apple Jacks", el tributo de Ken a su cereal de desayuno favorito y, como aficionados a las películas de terror y de culto otra canción llamada “Attack of the Killer Tomatoes”, basada en una midnight movie que vimos en el Princess Theatre en Whyte Ave. Mucho antes de que escribiera la letra de los estándares de SNFU como “Cannibal Cafe”, los escritos y las obras de arte de Ken estaban firmemente obsesionados con lo macabro y grotesco; esa fue otra obsesión que compartimos.

En su mayor parte, era bastante fácil trabajar con él como colaborador en el programa de radio y compañero de composición, excepto que su flujo constante de comentarios sarcásticos, calumnias e insultos podía contaminar cualquier ambiente. Allí estaba yo tratando de tocar una parte seria de guitarra al estilo de los Ramones, ¿y él escribe la letra sobre cereales para el desayuno? Era una burla y a Ken le encantaba burlarse de la gente.

Si no hubiese sido tan consistentemente hilarante, habría sido el gilipollas más hostil. Le tomó algunos años descubrir de dónde venía su ira. Nunca hablaba demasiado sobre su pasado excepto cuando bebía. Luego, algunos secretos saldrían a la luz sobre su hogar roto y su maltrato, la sentencia de prisión de su padre, sus 11 o 12 hermanos y hermanas o hermanastros diferentes, la pobreza de la familia, todos los insultos que aplastaban el orgullo que había soportado por parecer chino. (El racismo era mucho más evidente en las décadas anteriores a que la corrección política lo blanqueara, pero nunca lo borrara por completo: "Los chinos comen ratas" todavía era un insulto y un estereotipo común en la década de 1970).

A una edad en la que las corrientes de testosterona que corren por el torrente sanguíneo de cualquier hombre joven pueden tomar algunos giros violentos que culminan en peleas, acrobacias peligrosas, acoso sexual, tiroteos, conducir ebrio y actos desenfrenados de vandalismo, Ken estaba lidiando con un tema que era mucho más tabú entonces. La mayoría de sus amigos varones cercanos se dieron cuenta muy pronto de que no era heterosexual. Eso era obvio. Una de sus bromas favoritas era pincharnos en las pelotas y luego reírse como un maníaco, torciendo sus rasgos gomosos hasta el extremo de la comedia y convirtiendo su sonrisa en una payasada.

Mientras que los otros chicos se jactaban de las chicas que habían golpeado o tocado, o hacían bromas sobre cómo el vodka es una "botella de removedor instantáneo de bragas", las opiniones de Ken sobre el tema del sexo siempre fueron repugnantes. “El sexo es como cagar”, dijo mientras tomaba unas cervezas en el Rose Bowl, nuestra pizzería y bar local, “se siente bien al principio y luego empieza a apestar”. Nadie se reía más de sus propios chistes que Ken Chinn.

Ya era un tipo lo suficientemente delicado como para que nadie le preguntara sobre sus preferencias sexuales.

Agreguemos a esto todo el abuso que sufrimos en la escuela secundaria y pocos cantantes tendrían la angustia y la buena fe que él tuvo para convertirse en una de las voces más enojadas y, a menudo, una de las más divertidas de su generación de hardcore punk.

Canalizó parte de esa frustración en sus obras de arte, llenas de imágenes fálicas, y en la letra y la interpretación de la canción revelación de SNFU, "Victims of the Womanizer", incluida en el álbum recopilatorio de 1984 Something to Believe In. Las primeras veces que escuché la canción fue la última línea del estribillo lo que me llamó la atención: “Él está bien, está bien, demuéstrale al mundo que no es gay”. Al final de la canción, repite la última parte de esa línea una y otra vez con creciente ferocidad. Durante las presentaciones en vivo, a menudo movía la muñeca en el aire en una caricatura afeminada de la homosexualidad mientras cantaba esa línea. Sin embargo, no era una canción sobre el orgullo gay. Esta fue la vergüenza gay con un toque feminista. El narrador de la canción simpatiza con la mujer que ha sido abusada sexualmente por este asqueroso cuando se desmaya en un estupor ebrio. En el siguiente verso ella se suicida.

La letra funciona en varios niveles; es hostil, empática y doliente; pero la potencia de la canción proviene de los hermanos Belke, Marc y Brent, a la guitarra, así como del ritmo furioso establecido por Evan C Jones en la batería y Jimmy en el bajo.

No requirió mucho trabajo de detective descubrir que el "womanizer" en cuestión era un tipo que ambos conocíamos. De los insultos lanzados en el bar y entre paseos en una rampa de skate, Ken había llegado a atacar a la gente a través de sus letras. Ya era lo suficientemente desagradable como un idiota. Ahora que tenía un micrófono y un escenario, se estaba volviendo aún más desagradable. Muchos de nosotros podríamos relacionarnos con eso. La ira estaba de moda en esa generación musical.

En canciones como esa, abordó un terreno lírico muy diferente, en gran parte deshabitado por otros cantantes de hardcore de esa época, excepto quizás Minor Threat y los Subhumans en "Slave to My Dick".

En octubre pasado, en Victoria, BC, bebí unas cuantas cervezas con el guitarrista Marc Belke, el segundo miembro más longevo del grupo, quien escribió gran parte de la música de la banda, por primera vez en 30 años. Marc dice: “Creo que Chi prosperó al ser este ser único. Creo que sacó fuerza de eso. Le encantaba ser un rockero punk y encontramos algo en él con lo que nos identificamos probablemente por diferentes razones. Para mí, creo que fue porque demasiadas personas me decían qué hacer todo el tiempo”. Se encoge de hombros y hace una pausa. “El punk se convirtió en parte de nuestras personalidades”.

Ken y yo conocimos a Marc y Brent Belke, conocidos más tarde como Muc y Bunt, respectivamente, los hermanos gemelos que se convirtieron en los motores gemelos de la guitarra en el sonido supercargado de SNFU, cuando andábamos en skate. Eran un par de años más jóvenes que nosotros. También se habían metido en el punk a través de la revista Skateboarder. En la biografía de 2012 de Chris Walter, SNFU: What No One Else Wanted to Say, Marc contó cómo le enseñé a tocar acordes con cejilla en el sótano de mi madre; prueba positiva de cómo era el punk canadiense de clase media.

Los cuatro escribimos un par de canciones allí, como "Let's Go to Sportsworld", una oda satírica a una pista de patinaje local llamada, estúpidamente, Sportsworld, que sólo vale la pena mencionar de pasada porque representó el cenit de entretenimiento para adolescentes en una ciudad que los punks apodaron "Deadmonton".

El aburrimiento, no la revolución política o la guerra de clases o cualquiera de los ideales elevados propugnados por los miembros de esa generación punk, sirvió como el principal catalizador para que muchos de nosotros, niños de clase media, nos uniéramos a la escena punk/new wave. De manera reveladora, "Boredom" de Buzzcocks fue la primera versión punk que los cuatro aprendimos a tocar juntos.

 

En ascenso

Con muy pocas excepciones, como 20,000 Days on Earth, la película medio ficticia sobre un día en la vida de Nick Cave, el formato clásico de documental musical es una obra de teatro en tres actos. La primera parte narra el ascenso de la banda a la fama. En el caso de SNFU, su apogeo llegó en la década de 1990. Firmado con Epitaph Records en Los Ángeles, el grupo grabó tres álbumes que vendieron un total combinado de más de 200,000 copias. Para una banda de punk canadiense eso fue asombroso, pero simples centavos en comparación con sus compañeros de sello como Offspring, Rancid y Bad Religion.

Los frenéticos directos del grupo ganaron a muchos fans y a varias estrellas del rock como James Hetfield de Metallica, que fue fotografiado con una camiseta de SNFU en uno de sus discos, o un Billie Joe Armstrong de Green Day de 16 años, quien publicó en Instagram después de la muerte de Ken en julio de 2020 que resume la avalancha de dolor en todo el mundo: “Oh hombre. Esto me rompe el corazón. Chi Pig fue uno de los mejores frontman que he visto. Vi SNFU en Gilman cuando tenía 16 años. Pensé que iba a saltar por el techo. Muy inteligente. Grandes letras. Increíbles títulos de álbumes. Muy divertido. Tenía una increíble colección de máscaras. Cantante principal de SNFU. ¡Qué fastidio! Enviando amor a todos los punks de Edmonton y Vancouver. Que pérdida."

En el escenario, SNFU era una máquina de perpetuo  movimiento. Durante cualquier verso, coro o solo de guitarra, uno o más de los miembros de la banda saltaban en el aire o de arriba abajo. Quienquiera que estuviera en la batería, Evan C Jones o Jon Card, parecía estar levitando sobre su taburete. Cuando los vi en vivo, a menudo encendía la energía de Brent Belke. Nunca afectó ningún tipo de imagen punk. En contraste con el resto de la banda, parecía el niño normal convertido en tirador de la escuela, armado con una guitarra en lugar de un arma.

En ese circo de sonido y escenografía, Chi Pig era tanto el cabecilla como el payaso principal. Llevaba diferentes máscaras y golpeaba a los miembros de la audiencia en la cabeza con una gorra de béisbol inflable. En un espectáculo, arrojó un pulpo muerto al mosh pit-. En otro, subió al escenario con una pistola de agua mojando a la gente. A veces se vestía de mujer o se ponía un títere de mano y le daba una serenata. En el concierto que Billie Joe mencionó en California (el sonido y el video mejoran después de los primeros 15 minutos), Chi lleva una camisa vaquera roja y una falda de colegiala a cuadros.

A diferencia de la postura machista de Henry Rollins, cuyos movimientos en el escenario parecían estar calentando para correr un maratón después del concierto, o la energía maníaca de Jello Biafra, que se erizaba con tanta rabia que era incómodo mirarlo, el Sr. Chi Pig, con todos sus bailes divertidos y su afición por cantarle a los chicos de la primera fila y abrazarlos, aportó un poco de ligereza y androginia muy necesarias a un género excesivamente machista que a menudo se tomaba un poco, o demasiado, demasiado. en serio.

Camino rocoso hacia el fondo

El segundo acto del típico documental musical cubre la caída de la banda o del músico. Después de su tercer y último álbum para Epitaph, SNFU fracasó. Brent Belke y el baterista Dave Rees dejaron el grupo y Ken se encontró con los cabos sueltos. Quizás ese fue el catalizador de su descenso a una vorágine de adicción a la metanfetamina. Incluso para los estándares abismales de muchos músicos que caen en picado de la fama y la gracia, su caída fue lamentable. Perdió su apartamento. Perdió los dientes y, según todos los informes, perdió gran parte de la cabeza.

A pesar de todas las fotos que vi y los rumores que escuché, era difícil saber el alcance del daño. No creo que Ken haya tenido nunca una dirección de correo electrónico o un teléfono celular. Nunca lo vi en las redes sociales. Ya no parecía tener una dirección fija ni un trabajo regular. Era casi imposible ponerse en contacto con él.

Cada vez que regresaba a Vancouver, pasaba horas caminando por el centro buscándolo. Amigos mutuos mencionaron algunos de los bares que frecuentaba, pero él era un fantasma que seguía apareciendo en mis pensamientos, pero nunca apareció en ninguna parte del mundo real.

Y los rumores sobre él, como que había contraído esquizofrenia, se volvieron cada vez más extraños.

No tenía ningún consejo que ofrecerle. La lucha con los demonios personales no es un deporte de equipo; es un maratón que tienes que correr solo. Al mismo tiempo, supuse que le haría bien ver a un amigo que conocía antes de que los días de la música, o lo que fuera, activaran su botón de autodestrucción.

Pero Ken tenía muchas razones para sentirse infeliz. Después de que "salió del armario" en Vancouver en la década de 1990 una vez que SNFU se mudó allí, no sé si alguna vez encontró el amor o incluso una relación duradera. No estoy familiarizado con toda la discografía de las letras que escribió para SNFU y sus otras bandas, Wongs y Slaveco, pero no recuerdo que haya escrito ninguna canción de amor. Tal vez la adoración de sus fanáticos fue lo más cerca que estuvo de encontrar el amor que le fue negado en su vida personal.

Un destino tan solitario podría llevar a cualquiera a las drogas, la bebida y la autoaniquilación.

Por supuesto, reducir algo tan complejo como la adicción a unas pocas causas simples es demasiado simplista. El documental de 2009 sobre él, Open Your Mouth and Say... Mr. Chi Pig, explora el tema con más profundidad. En la película dirigida por Sean Patrick Shaul, que presenta entrevistas con muchos titanes del punk como Jello Biafra y Joe Keithley de DOA, Ken habla extensamente sobre su frágil estado de salud mental, su consumo de drogas y las voces que escuchaba en su cabeza.

Últimamente, me volví a conectar con el tercer miembro más longevo de la banda, Brent Belke, en las redes sociales. Enviamos un montón de mensajes de ida y vuelta sobre cómo y por qué dejó la banda, principalmente porque la rutina de las giras lo agotó, y lo que le sucedió a Chi. Él dice que la espiral descendente del cantante, que incluyó uno o dos ataques de nervios, tardó muchos años en gestarse. “Estas cosas suceden lentamente con el tiempo y luego se da cuenta de que ha tocado fondo. Seguro que es alarmante”, escribe en un mensaje.

Cuales fueran las innumerables causas de la caída de Ken, y sin importar el estado de locura en el que aparentemente se había hundido (en un par de fotos vi que parecía una versión asiática de Charles Manson), seguí buscándolo en la parte más vulnerable de la ciudad.

Tercer acto, pero no el último

En el último acto de la mayoría de los documentales musicales, el músico regresa o muere. El documental, “Open your mouth and say… Mr Chi pig”, toma la ruta anterior. Al final de la película, Chi se prepara para una gira del 30 aniversario con el grupo.

Pero la película terminó antes de que comenzara la gira. En verdad, y me siento mal escribiendo esto, pero no fue un regreso tan grande como muchos de nosotros esperábamos. En ese momento, con la voz a medias, su circo aéreo en tierra, era el único miembro original que quedaba en el grupo.

Para los acérrimos de SNFU, hubiera sido genial verlo allí de nuevo. Los shows en Canadá y Europa estuvieron a la altura. En Edmonton, en el transcurso de diferentes giras, pudo reunirse con ex compañeros de banda como Evan C. Jones y Jimmy Schmitz, tanto en persona como en el escenario.

Aun así, su gran regreso fracasó. Incluso el último álbum del grupo, Never Trouble Trouble Until Trouble Troubles You, lanzado en 2013, parece más una nota al pie que una piedra angular en la carrera de la banda. Cuando falleció a la edad de 57 años en 2020, con el cuerpo roto y envenenado por demasiadas décadas de vida dura como una roca, era mucho mayor que cualquiera en el llamado "Club de los 27" (Hendrix, Morrison, Cobain, Winehouse , etc.). Entonces, el tercer acto habitual no funciona en la historia de Ken.

En una noche lluviosa en Victoria, BC a fines de octubre de 2020, Marc Belke y yo nos paramos en el patio de una cervecería artesanal, sosteniendo cervezas en una mano y sombrillas en la otra, mientras nos distanciamos socialmente, mientras la lluvia plateada caía como guiones y comas. más allá de las farolas naranjas.

Entre nosotros, teníamos unos 40 años de ponernos al día, intercambiando historias de skateboarding y jam sessions en sótanos. En comparación, nuestras futuras vidas, carreras y viajes internacionales parecían aún más increíbles por el hecho de que se iniciaron desde orígenes de la clase media en una ciudad como Edmonton, que es punto de acceso a prácticamente nada. Por extensión, el ascenso de SNFU, de ser una banda que tocaba en salas de bingo improvisadas a ser un pilar mundial del skate-punk y el hardcore, también parecía aún más increíble, al igual que la historia de Chi Pig. ¿Cómo un tipo que cantaba desafinado acerca de cereales para el desayuno, patinaje sobre ruedas y tomates asesinos en el sótano de mi madre se convirtió en un cantante tan aclamado internacionalmente?

El arco narrativo de su vida parecía increíble, casi inimaginable. Y esa es una de las principales razones por las que Marc y yo llegamos a una decisión mutua, entre unas cervezas y muchas bromas de que, en última instancia, la historia de Ken es más triunfal que trágica. Aquí estaba un tipo que superó enormes obstáculos y adversidades, que enfrentó la discriminación racial y sexual, que se elevó por encima de su hogar pobre y problemático, que incluso conquistó sus demonios durante largos períodos de tiempo, para convertirse en uno de los cantantes punk más originales y queridos. Junto con su compañero de composición Marc y muchos otros talentosos compañeros de banda que también contribuyeron al sonido y las canciones, ayudó a crear una discografía que continúa influenciando e inspirando a los fanáticos y músicos del punk en igual medida.

Sin embargo, esa es solo la mitad de la historia. También compartimos algunas de nuestras dudas sobre su fallecimiento, que son bastante comunes en tales escenarios. Cada vez que un amigo o familiar fallece, todos tienen sus remordimientos: la llamada perdida que nunca se devolvió, el mensaje de texto que no se respondió, las palabras que nunca se dijeron, la relación rota que nunca se reparó.

En nuestro caso, fue el reencuentro que nunca sucedió. Todas mis búsquedas por él fueron en vano. La última oportunidad que tuve de ver a Ken en persona fue encontrar un cartel en un poste telefónico de Vancouver que anunciaba su fiesta de cumpleaños en un bar punk local en octubre de 2018, unos tres días después de haber reservado un vuelo de regreso a los EE. UU.

Al final resultó que, la última oportunidad que tuvimos para pasar el rato antes de eso llegó en Montreal en 1990, cuando su nueva banda The Wongs estaba llegando a la ciudad. Un amigo en común trató de organizar una cena para nosotros, pero la deseché como represalia por lo que percibí como un comportamiento demasiado egoísta de su parte en Edmonton. ¿Quién era entonces el ególatra, pendejo?

En nuestra juventud, poco nos damos cuenta de las ramificaciones duraderas de esas acciones, que parecían tan lógicas y justificadas entonces y terminan pareciendo tan trágicamente estúpidas, vanas y egoístas más adelante en la vida.

Cuando estaba tratando de localizarlo en Vancouver, ni siquiera estaba seguro de que, si nos encontrábamos de nuevo, seguiríamos siendo amigos o no. Mientras preparaba esto, otro viejo amigo músico, que no tenía idea de que le estaba escribiendo estas palabras, me envió la transcripción de una entrevista de radio que Chi había hecho con Nardwuar, un famoso DJ de radio y VJ en Canadá, allá en 2005 para CITR FM en Vancouver. Al comienzo de la entrevista, Nardwuar le dijo que había estado tocando una canción de una vieja banda mía y Ken dijo: “Oh, rad³. ¿El single, me imagino”. En cambio, Nardwuar mencionó un álbum recopilatorio de Edmonton llamado It Came From Inner Space en el que ambos aparecimos con una canción llamada "Party's Over by the Malibu Kens". Chi dijo: "Oh, sí, sí, sí, sí, sí, fui a la escuela secundaria con Malibu Ken que escribió esa canción y que después se transformó en  Blake Cheetah, quien se convirtió en el dios del bajo para Jerry Jerry and the Sons of Rhythm Orchestra".

Fue genial escucharlo todavía usando la jerga "rad", sin importarle si el resto la conocía o no. Pero me pregunto por qué alguien me enviaría algo así en medio de todo esto. ¿A propósito o coincidencia? ¿Sincronicidad o algo más? No sé. Preferiría no cerrar ninguna de esas puertas insistiendo en una definición particular.

Marc Belke compartió algunos de sus arrepentimientos. “Desearía haber sido un mejor amigo para él, pero cuando dejé la banda en 2005, nuestra amistad se volvió tóxica. Estaba haciendo la mayor parte del trabajo para la banda y no sentía que me estuviera respetando o cooperando”, dice.

Los dos integrantes principales del grupo no se mantuvieron en contacto después de que Marc se fue, pero tuvieron una reunión final en un show punk en Vancouver hace unos cinco o seis años. “Pensé que iba a ser incómodo porque escuché que había estado hablando un montón de mierda sobre mí, pero estuvo bien. Nos quedamos allí y nos reímos mucho. Todavía tenía los mismos modales y ese gran sentido del humor. Podía ser un gilipollas, pero conmovió a mucha gente”, dice Muc.

Cuando le mencioné a Marc la anécdota sobre Chi pateando una cerveza que Lisa le ofreció de su mano, aunque me equivoqué en algunos detalles y no recordé que fue antes de un concierto, lo cual no fue así, Marc saltó en su defensa en un nanosegundo "Oye, el tipo estaba a punto de subir al escenario". Luego sonrió y, claramente en broma, dice: "Lisa debería sentirse honrada de que Chi Pig le haya quitado una cerveza de la mano".

Algunas lealtades entre ex-compañeros de banda no mueren.

Brent Belke nunca reconcilió sus diferencias con el cantante. Después de que dejó el grupo a fines de la década de 1990, solo se encontraron en algunos shows punk en Vancouver por Bad Religion y NOFX. De todos modos, su fallecimiento tuvo un efecto en el guitarrista, quien ahora se gana la vida componiendo música para cine y televisión. En un mensaje, escribe: “La muerte de Ken no fue una sorpresa, pero fue extraño cuando sucedió. Una triste sensación de vacío apareció en mi cabeza y me distrajo. Esto duró días."

A Marc tampoco le sorprendió recibir la llamada telefónica. "Lo había estado esperando durante años... y lloré un par de veces más tarde. No habíamos sido amigos durante mucho tiempo, pero aún éramos hermanos”.

La vida de Ken llegó a su fin en julio pasado (N.del E. Se refiere al año 2020), pero los capítulos póstumos de la historia de él y SNFU aún se están escribiendo. En 2021, se lanzará un EP de cinco canciones con temas en los que el grupo estaba trabajando en el momento de su lanzamiento en 2004, In the Mean Time e In Between Time. También está programado para el lanzamiento este año la primera edición en vinilo del único álbum del proyecto paralelo de Marc, The Wheat Chiefs. Titulado “Redeemer”, el disco también presenta a los miembros de SNFU Brent Belke y al bajista Rob Johnson, junto con el veterano de Edmonton Ed Dobek en la batería.

El otoño pasado, dos artistas de Edmonton, Lacey Jane y Layla Folkmann, pintaron un mural del fallecido cantante en la pared exterior del Cambie, uno de sus lugares favoritos para beber en Vancouver. Este año esperan repetir el proyecto en su ciudad natal.

Ken también dejó a sus amigos y fans con una despedida final en forma de una canción llamada “Cement Mixer (to all my beautiful friends)”. Fiel a su ingenio macabro, se ve reencarnado en una mezcladora de cemento para convertirse en parte del pavimento. El ritmo lento y la vibra acústica se adaptan a su voz bien surcada. Es un canto de cisne elegante y conmovedor.

Ha habido indicios de un proyecto de libro que recopilaría muchas de las obras de arte y carteles de conciertos de Chi. También he leído algunos rumores en línea de fanáticos que presionan para que se coloque una estatua de Chi Pig en Edmonton. No estoy seguro de lo que Ken habría hecho con eso. Conociéndolo, bromeaba sobre convertirse en un retrete al aire libre para palomas y gaviotas.

La estatua sería genial de una manera extrañamente irónica: el antiguo paria que se convirtió en un futuro pilar de la comunidad artística. Si yo tuviera alguna influencia con las autoridades municipales de Edmonton, les pediría que erigieran la estatua de mármol negro y cuarzo rosa en un skatepark. La imagen mostraría a Ken balanceándose sobre una mano encima de un enorme bombo, con las rodillas y los zapatos para correr metidos sobre su cabeza con un micrófono en la mano libre en lugar de una patineta. Suspendido en medio de una última actuación aérea y un último concierto, estaría desafiando la gravedad y todas las fuerzas que intentaban sujetarlo, como lo hizo tantas veces en su vida y carrera musical. Así es como me gustaría recordarlo de todos modos.

 

 

Jim Algie es autor de varios libros, como "On the Night Joey Ramone Died: Tales of Rock and Punk from Bangkok, New York, Cambodia and Norway", que presenta algunos de sus mejores escritos musicales. El libro está disponible en Amazon.

 

1. Estructura o rampa en forma de U utilizada en el sk8 y otros deportes sobre ruedas.

2. Un ghetto blaster es una gran radio portátil con reproductor de casetes y parlantes incorporados, usados generalmente durante finales del siglo pasado para reproducir música en la calle.

3. “Rad” puede ser traducido o interpretado como “genial” o “algo genial”.